'판소리의 이해'(유영대 씀)

판소리는 조선 후기에 산출된 민중 예술의 하나로, 민중의 삶을 구체적으로 반영시켜 노래한 서민 예술이다. 사설과 창곡뿐만 아니라 지향한 정신까지 사실적이었다.

판소리는 광대가 무대 장치도 없는 데서 고수의 북 반주로 서너 시간 정도 걸리는 긴 이야기를, 몸짓을 섞어 가며 흥미롭게 노래하는 판의 예술이다. 연행하는 형태로 보자면 음악극이기도 하고, 담고 있는 내용으로 보자면 재미난 서사극이기도 하다. 이른바 '판'에서 이루어지는 종합 예술의 형태가 바로 판소리인 것이다.

광대는 오른 손에 부채를 들고 소리를 하는데, 노래로 부르는 부분을 '창(唱)'이라 하고, 말로 하는 부분을 '아니리'라고 한다. 또 광대는 동작도 하는데, 이를 '발림', 혹은 '너름새'라고 한다. 고수는 북을 쳐서 반주하면서, 중간에 '얼씨구', '좋다' 따위의 추임새를 연발.

판소리는 애초에 '소리'라는 범칭과, 타령(打令), 잡가(雜歌) 등의 용어로 불렸다. 판소리라는 명칭은 정노식의 <조선창극사>에도 창극과 판소리를 정식 용어로 사용. '판소리'라는 용어는 '판'과 '소리' 두 단어의 결합으로 이루어진 합성어이다. '판'은 장면이나 무대 또는 여러 사람이 모인 공간을 뜻한다. 유흥을 위하여 마련된 이 공간을 우리는 '놀이판'이라고 부른다. '굿판', '판굿' 혹은 '판놀음'이라 불렀다. 판놀음의 여러 레퍼토리 가운데 하나였던 것으로 이해할 수 있다. 명창들이 개인집 안마당이나 고을 관아 또는 궁중의 정원 등 많은 사람들이 모일 수 있는 곳에서, 긴 이야기를 노래로 부른 판소리의 가창 방식을 주목할 필요가 있다.

'판을 짜다'라는 말에서 알 수 있듯, 판소리는 긴 노래의 사설과 악조(樂調)를 배합한 하나의 완결된 형태, 즉 판으로 짜서 부르는 노래라는 의미로 다시 이해할 필요가 있다. '판에 박히다'라는 표현에서 알 수 있듯이 판소리는 일정한 줄거리의 이야기를 '일정한 상투적 양식에 따라 부르는 소리'라는 의미가 있다.

판소리는 일제 때 이르러 창극이라는 포괄적이고 의미하는 바가 다양한 용어로도 불렸다. 판소리와 창극은 그 의미하는 바가 다르다. 창극은 또한 판소리의 연극적 판짜기라고도 부를 만하다. 송만갑이 판소리 창자를 극창가(劇唱家)라고 부르기도 했는데, 이는 판소리 창자가 노래부르면서 연극적 동작도 보여준다는 뜻으로 이해할 수 있다.

판소리 창자를 지칭하는 용어로 가장 전통적인 것은 '판소리 광대'이다. 이들은 작품의 문학적 이해와 그에 근거한 음악적 표현 기술을 동시에 갖추고 있었다. 그러므로 광대는 전통 사회의 예술인으로서 음유 시인이자, 작곡가이며, 가수라 할 수 있다.

판소리 창자는 우선 훌륭한 가수로서 좋은 목과 오랜 훈련을 통하여 완성한 성음을 구사해야 한다. '득음(得音)'은 판소리에서 필요로 하는 음색과 여러 가지 발성의 기교를 습득하는 것을 가리킨다. 판소리는 쉬어서 거친 듯 하고 탁한 목소리를 구사하여 연행한다. 그러나 탁하면서도 맑아야하고, 거칠면서도 부드러운 소리를 지향한다. 제대로 구사된 소리를 '곰삭았다'고 말한다. 판소리는 목소리를 표현 매체로 사용하는 예술이기 때문에, 목소리의 특징을 설명하는 '목', '성음(聲音)' 등의 용어로 소리의 특징과 완성도를 규명하고 있다.

'성음'은 명창이 내는 소리의 특질을 해명하는 용어로, '통성', '수리성', '천구성', '떡목' 같이 등급과 완성도를 표상하고 있다. '통성'은 뱃속에서 바로 위로 뽑아 내는 호방한 소리를 말하며, '수리성'은 쉰 목소리와 같이 껄껄하게 나오는 소리를 의미한다. '천구성'은 거칠고도 맑으면서 높은 음역으로 내는 슬픈 선율의 소리를 말하며, 가장 좋은 '성음'으로 친다. 그리고 '떡목'은 텁텁하고 얼붙어서 별 조화를 내지 못 하는 목소리를 의미한다. 이밖에도 '양성', '노랑목', '귀곡성' 등과 같이 소리의 특징을 규정해주는 용어가 많이 있다.

판소리 창자는 일종의 배우로서 소리뿐 아니라 몸짓을 통해서도 판소리를 구연한다. 광대가 소리를 하면서 보여주는 몸짓이나 연기를 '너름새'와 '발림'이라고 말한다. 이 너름새는 광대들이 자기가 부르고 있는 사설이 나타내고 있는 장면을 춤이나 동작으로 보여줌으로써 관중의 이해를 돕는 몸짓이다. 부채를 펴서 박을 타는 흉내를 내거나, 부채를 떨어뜨려 심청이 인당수에 빠지는 비양을 하듯, 너름새는 상징화되고 양식화된 방법을 사용한다. 너름새는 사설이 지향하는 분위기나 의미를 사실적으로 표현하는 한도 안에서만 이루어져야 하는 것이지 과장되어서는 아니 된다. 신재효는 그의 <광대가>에서 광대가 갖춰야 할 요건으로 '인물치레', '사설치레', '득음', '너름새'의 네 가지 덕목을 꼽고, 그 가운데서도 순식간에 천태만상을 보여주기 위하여 '너름새'를 개발해야 한다고 말했다.

명창들은 음악가이자 배우이고, 연출가의 역할을 동시에 수행한, 판짜기의 명수들이라 할 수 있다. 우리가 문학 작품의 작가에 관한 검토를 '작가론'이라는 분야에서 다루듯 이들 명창들의 계통과 소리의 특징 등을 종합적으로 검토하는 '광대론'이 활성화될 필요가 있다. 예컨대 '정정렬론', '송만갑론', '임방울론' 등이 가능하고도 필요하다.

이 밖에 판소리 창자를 표현하는 용어로는 '명창(名唱)', '국창(國唱)', '광대(廣大)', '대광(大廣)', '가왕(歌王)' 등의 표현이 있다. 광대는 대체로 무속 등 전통적인 예인 집단에서 충원되었고, 세습적인 경우가 대부분이었다. 그런데 세습 집단이 아닌 곳에서 충원되는 경우도 있었다. '비가비 광대'는 전통적인 예인 집단이 아니라 양반층에서 충원된 광대를 특별히 지칭하는 말이다. 양반 출신이면서 명창이 된 권삼득 같은 경우가 대표적인 예라 하겠다. 그리고 창하는 솜씨는 뛰어나지 않으나 재담 등으로 판을 휘어잡는 솜씨가 뛰어난 명창을 '아니리 광대'라고 부르기도 한다.

광대는 오랜 시간 연창하는 서사적인 내용의 판소리를 부르기에 앞서 짤막한 서정적인 노래를 부르는데, 이 노래가 단가(短歌)이다. 단가는 허두가(虛頭歌), 초두가(初頭歌), 영산(靈山) 등으로 불리기도 하는데, 광대들이 긴 내용의 서사적 내용을 가진 판소리를 부르기 전에 목을 풀기 위하여 부르는 소리이다. 단가를 부르면서 광대는 목의 건강 상태를 점검하고, 고수와 호흡을 조절하며, 청중의 분위기나 수준을 포착하는 것이다. 단가는 대체로 중모리 장단에 우조로 짜여져 있다. 현재까지 전하고 있는 단가는 40여 가지가 되는데, 이 가운데 <진국명산>, <죽장망혜>, <편시춘>, <적벽부>, <사철가>, <백발가>, <이산저산>, <호남가> 등이 자주 불린다.

짤막한 허두가를 부르고 난 다음, 광대는 본격적인 판소리를 말로 하는 대목과 노래로 하는 대목을 서로 교체해 가면서 순차적으로 구연한다. 말로 하는 것을 '아니리'라고 하고 창으로 하는 부분은 '소리'라고 하는데, 판소리는 아니리와 소리를 서로 교차하여 부르면서 극적인 내용을 고조시키기도 하고 풀어주기도 하는 연출 방식으로 노래한다. 단순화시켜 말하면 판소리는 아니리+소리+아니리+소리+아니리+소리의 연속으로 이루어진 서사시라 할 수 있다. 무엇보다도 아니리는 소리와 소리 사이에 평탄한 말로 이야기의 줄거리를 요약해주면서 광대 스스로는 목을 쉬기도 하며, 소리를 들을 때의 긴장된 분위기를 이완시켜주기도 한다. 아니리를 하면서 광대는 지금 막 들었던 노래에서 지녔을 법한 청중의 긴장을 풀어주면서 스스로는 숨을 돌려 다음의 소리를 대비하는 기능을 한다.

소리는 장단이 있기 때문에 고수가 장단에 맟춰서 북을 친다. 그런데 소리 가운데는 장단은 그대로 달아두면서 말로 하는 부분이 있다. 이 부분을 도섭이라고 부른다. 도섭은 아니리하는 도중에 장단없이 소리하는 대목을 이르기도 하는 말이다. 창 속에 들어 있는 말로 하는 부분이나, 아니리 속에 포함되어 노래처럼 창조로 부르는 대목을 '도섭'이라고 한다.

판소리가 성립되면서 성장하던 19세기 초반까지, 판소리 공연은 지금처럼 완창할 경우 보통 서너 시간 정도가 걸리는 긴 작품은 아니었다. 시간이 지나면서 줄거리가 확장되고 더늠이 늘어나면서 아주 긴 노래가 되었다. 그러나 한판을 완창하는 데는 시간이 지나치게 오래 걸리기 때문에, 한 작품 전체가 한 자리에서 공연되는 경우는 드물었으며, 나중에 19세기에 이르러 판소리가 양반층의 애호물이 되면서 전판이 공연되는 경우가 생겨났다. 방만춘이나 주덕기 같은 명창이 밤을 새워가면서 <적벽가>를 완창했다는 기록이 그것이다.

한 대목의 판소리가 불리는 것을 '토막 소리'라고 하며, 완창되는 소리 전판을 '바탕 소리'라고 부른다. 예컨대 일제 때 명창인 임방울이 부른 <쑥대머리>는 유명한 토막 소리이다.

서양음악의 장조는 기쁘고, 씩씩하고, 남성적인 악상을 주고, 단조는 슬프고, 어둡고, 여성적인 느낌을 주듯이 판소리의 조에도 우조와 평조, 그리고 계면조가 있다.

우조(羽調): 맑고, 씩씩하고, 거세다. 가곡, 시조와 같은 정악의 가락을 판소리에 응용한 것으로 장엄한 장면, 영웅적인 인물의 호탕한 기상을 표현하는 장면에서 적용. <춘향가> 중 [적성가]와 <심청가> 중 [장승상 부인] 대목이 우조로 노래된다.

평조(平調): 평조의 성률은 정대하고 화평하다. 슬프되 편안하고, 웅심하며 화평하다. 가곡과 시조의 가락을 판소리에 응용한 것으로, 기쁜 장면, 영웅적 인물의 유유한 거동, 흥겹고 화평한 분위기를 보여주는 장면에 주로 쓰인다. <춘향가>의 [기산영수] 같은 대목.

계면조(界面調): 매우 슬프게 흐느낀다. 판소리의 가장 기본이 되는 조로서, <육자배기>나 <흥타령>같은 전라도 민요의 가락을 판소리에 적용한 것이다. 이별의 정서를 노래하는 장면이나 여자의 거동을 묘사하는 데 흔히 쓰인다. <춘향가>가운데서 [이별가]나 <심청가> 가운데서 [추월만정]이 계면조의 방식으로 노래된다.

어떤 종류의 소리에도 거기에 합당한 장단이 있다. 어떤 대목에서는 북이 강하게 각을 쳐서 소리의 진행을 강조하기도 하고, 어떤 대목은 소리의 미진함을 보완하며, 다른 부분에서는 북소리를 거의 내지 않아 소리의 흐름을 터주면서, 소리와 북반주의 조화를 이루어내는 것이 고수의 반주 방식이다. 판소리에 사용되는 장단으로 가장 느린 진양조부터 중모리, 중중모리, 자진모리, 휘모리 등으로 빨라지며, 이 밖에 엇모리, 엇중모리 등의 장단이 있어서 소리의 빠르기를 규정하고 호흡을 조절한다.

판소리 광대의 소리에 북으로 장단을 맞춰 주는 사람을 고수라고 한다. 고수는 다양한 장단의 틀을 가지고 창자의 소리 운용 태도에 따라 기교를 달리하여 북을 친다. 소리에 장단을 부쳐 가는 방식으로는 '대마디 대장단'이나 '부침새' 등이 있으며, 고수는 소리의 흐름을 적절히 파악하여 다양한 기교를 사용하여 북을 쳐서 반주하는 것이다. 규칙적이면서도 엄격한 기준이 있어서 쉽게 소리의 흐름을 예견할 수 있다. '부침새'의 기교로는 '엇부침', '잉애걸이', '완자걸이', '괴대죽' 등이 사용된다. 우리 몸에는 적절한 리듬감이 있기 때문에 강하게 북이 쳐줘야할 대목을 생득적으로 느끼고 있다.

소리의 맥을 제대로 살려 주는 고수의 기능 및 역할을 중요시하여 예전부터 '일고수 이명창'이란 말로 고수의 위치를 높여 주기도 했다. 고수가 '얼씨구'라든지, '좋다' 등 일정한 조흥구를 노래의 사이에 집어넣기도 하는데, 이를 추임새라고 부른다. 특히 소리꾼의 컨디션이나 입장을 잘 헤아려 적절히 북반주하는 것을 '보비위'한다고 말한다. 관중도 감상하는 자리에서 추임새를 발할 수 있다. 관중의 추임새는 판소리를 들으면서 야기된 감흥을 자연스럽게 발산하는 감탄사이며, 생동적인 판으로 이끌어 나가는데 중요한 기능을 한다.